CLASICISMO

ÍNDICE:
           
1. Introducción
    1.2  Características 
2. La Forma Sonata
    2.1 La Exposición
    2.2 El Desarrollo
    2.3 Reexposición
3. Los Instrumentos del Clasicismo
4. La Ópera




INTRODUCCÓN:

Desde 1750 y 1800 se impuso notablemente el clasicismo. La música clasicista es una música raciona, es decir, agradable y lejos de las complejidades barrocas. La música del clasicismo tenia como principales objetivos la claridad, el buen gusto, la proporción y la elegancia. En todo el tiempo que duro el clasicismo se distinguen notablemente tres músicos que vivieron en Viena y fueron los tres grandes del clasicismo; Haydn, Mozart y Beethoven.

CARACTERÍSTICAS:

·         Claridad melódica: Delante de la melodía barroca, que se desarrolla seguidamente hasta el final de la pieza, el clasicismo presenta frases melódicas cortas fácilmente reconocibles.

·         Textura homofónica: Enfrente del contrapunto, que se considera pasado de moda y tan solo se utiliza esporádicamente, y el bajo continuo barroco, que desaparece, el clasicismo presenta texturas basadas en el acompañamiento harmónico, es decir mediante acordes y una melodía predominante. 
LA FORMA SONATA

La forma sonata o allegro sonata es probablemente una de las formas más usadas en la música clásica y romántica. Los primeros movimientos de las sonatas, los cuartetos, las sinfonías e incluso los conciertos están a menudo construidos usando esta forma. La forma básica consta de tres partes:

1. Exposición
2. Desarrollo
3. Reexposición

La exposición

En la exposición, el compositor presenta los temas que usará en la obra. Generalmente tiene dos secciones, la primera en la tonalidad principal, la segunda en la tonalidad de la dominante o - en el caso de tonalidades menores - en el relativo mayor o la dominante. Cada sección puede tener uno o más temas. Los temas pueden ser similares o contrastantes.

Una transición sirve de enlace entre la primera y segunda sección sirviendo para modular a la nueva tonalidad. Desde temprano en el desarrollo de la forma sonata, compositores como Mozart y Beethoven experimentan con otras tonalidades para la segunda sección.

La exposición termina con una codetta y puede ser precedida de una introducción.

 El desarrollo

En esta sección el compositor desarrolla los temas presentados en la exposición. Son comunes las modulaciones frecuentes.

No siempre se desarrollan todos los temas y en ocasiones el compositor puede presentar un nuevo tema (como por ejemplo en la tercera sinfonía de Beethoven).

Reexposición

La reexposición es casi una repetición de la exposición pero con un cambio principal: la segunda sección aparece ahora en la tonalidad principal. A parte de ese cambio, el compositor normalmente hace múltiples variaciones, extendiendo, reduciendo o eliminando secciones, variando la escritura instrumental o la orquestación en el caso de obras orquestales.

El movimiento termina con una coda que en algunos casos se convierte en un segundo desarrollo.

La siguiente animación ilustra la forma sonata:

La sonata clásica, la forma más difundida de esta forma musical, es una obra que consta de tres o cuatro movimientos, escrita para uno o dos instrumentos. Inicialmente predominaron las formas de tres movimientos, especialmente en la época clásica, pero a medida que aumentaban tanto su complejidad como duración se popularizaron las de cuatro movimientos.

En la época barroca, el término sonata se utilizó con relativa libertad para describir obras reducidas de carácter instrumental, por oposición a la cantata, que incluía voces. Sin embargo, la sonata barroca no está definida por una forma específica de su argumento musical.

En la época de Arcángelo Corelli se practicaban dos formas bajo el nombre de sonata: la sonata da chiesa (sonata de iglesia), habitualmente para un instrumento que llevaba la melodía (violín o flauta) y un bajo continuo, compuesta habitualmente por una introducción lenta, un allegro a veces fugado, un cantabile y un final enérgico, en forma de minuet o de giga; y la sonata da camera, compuesta de variaciones sobre temas de baile, que desembocaría en la suite o partita En el caso de las sonata da camera, el bajo continuo es interpretado por el clavicordio, regularmente.

El concierto grosso (italiano para gran concierto) era una popular forma de música barroca usada por un conjunto musical que generalmente tenía de cuatro a seis movimientos, en los cuales el material musical era pasado entre un pequeño grupo de solistas y una orquesta completa (el tutti). Los compositores franceses, en cambio, preferían oponer al conjunto orquestal un pequeño trío de vientos, que continuaría en el tercer movimiento de la sinfonía clásica.

Dicha forma fue desarrollada probablemente cerca de 1680 por Alessandro Stradella, quien parece haber escrito la primera pieza de música en la cual un “concertino” y un “ripieno” son combinados en la forma tan característica, a pesar de que no usó el término “concerto grosso”.

Los instrumentos en el Clasicismo

Algunos instrumentos surgen en este periodo como el piano; el Arpeggione  y el clarinete. Si bien la mayoría de los instrumentos sinfónicos ya existían desde el Barroco, muchos de ellos cambian y se adaptan a los nuevos requerimientos estilísticos y de composición de la época. Mientras surgen nuevos instrumentos y se desarrollan los que ya existían otros pierden vigencia casi hasta su extinción: viola de gamba, clavicordio, dulzaina, flauta dulce (volverá a renacer en el siglo XX), bajón, laúd, etc. El fortepiano se impuso sobre el clave de tal forma que pasó a ocupar un lugar central en la música de cámara e incluso conciertos solistas. Esto se profundiza aún más en el Romanticismo, con la aparición del pianoforte romántico.

LA ÓPERA

Opera: En el segundo tercio del siglo XVIII ya era evidente que la opera seria napolitana se había alejado mucho de los ideales de Camerata Fiorentina, que, al principio del siglo XVII, estuvo intentando construir una drama en el cual la música estuviera al servicio del desarrollo del texto. Delante de la rigidez y la falta de atracción de la opera seria, durante la tercera década del siglo surgió la opera bufa italiana, llamada posteriormente opera cómica en Francio, caracterizada por el tratamiento humorístico y ligero de temas mas próximos a el espectador con escenas y personajes familiares y lejos de la solemnidad y los excesos vocales de los grandes divos, por el uso de una música de carácter popular y graciosa melódicamente, que muy a menudo era una caricatura de la opera seria.

Tipos	Diferencias
Ópera bufa	1.      Está dirigida a las clases más humildes. 2.      Argumento   relacionado con la vida cotidiana. 3.      Utilizaba el lenguaje coloquial y del propio país.
Ópera seria	1.      Está dirigida a las clases más altas. 2.      Temas mitológicos y tragedia griega. 3.       Lenguaje culto y poético, casi siempre el italiano.

Compositores:

Bach, Carl Philipp E.
 Beethoven, Ludwig Van 
Boccherini, Luigi 
Cherubini, Luigi
 Gluck, Christoph W.
Haydn, Franz Joseph 
Mozart, Wolfgang A. 

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